Wussten Sie, dass die japanische Gedichtkunst eine lange Tradition hat und für ihre ästhetische Schönheit bekannt ist? In Japan gibt es verschiedene Formen der Poesie wie Haiku, Tanka, Kanshi und Waka, die von der chinesischen Kultur beeinflusst wurden und im Laufe der Zeit eine Vielzahl eigenständiger Formen entwickelt haben. Diese traditionellen Gedichte spielen eine wichtige Rolle in der japanischen Literatur und prägen die heutige Poesie, sowohl experimentell als auch traditionell. Tauchen Sie mit uns in die faszinierende Welt der japanischen Gedichte ein.
Die japanische Gedichtkunst umfasst verschiedene Formen wie Haiku, Tanka, Kanshi und Waka. Sie hat eine lange Tradition und ist von großer ästhetischer Schönheit geprägt. Die Poesie in Japan wurde von der chinesischen Kultur beeinflusst und entwickelte im Laufe der Zeit eine Vielzahl eigenständiger Formen. Wichtige historische Gedichtsammlungen sind Man’yōshū, Kokin-wakashū und Shinkokin-wakashū. Heute gibt es in der japanischen Poesie eine Unterscheidung zwischen experimenteller Poesie und traditioneller Poesie, die versucht, die alten Wege wiederzubeleben.
Haiku, Tanka, Kanshi und Waka: Die Hauptformen der japanischen Gedichte
Die japanische Gedichtkunst ist für ihre Vielfalt und Schönheit bekannt. Zu den bekanntesten Formen gehören Haiku, Tanka, Kanshi und Waka. Jede Form hat ihre eigenen Merkmale und eine lange Geschichte in der japanischen Literatur.
Haiku: Kürze und Präzision
Haiku ist eine minimalistische Gedichtform, die aus drei Zeilen besteht. Die Silbenanzahl beträgt 5-7-5. Haiku konzentriert sich auf einen Moment der Natur oder des menschlichen Lebens und drückt diesen mit großer Präzision aus. Es fängt die Stimmung einer bestimmten Situation ein und lässt den Leser darüber nachdenken.
Ein berühmtes Beispiel für ein Haiku stammt von Matsuo Bashō:
Nur ein alter Teich
und der Frosch springt hinein —
Geräusch des Wassers
Tanka: Ausdrucksstark und vielseitig
Tanka besteht aus fünf Zeilen und hat die Silbenanzahl 5-7-5-7-7. Im Vergleich zum Haiku ermöglicht die längere Form des Tankas eine ausführlichere Darstellung von Gefühlen und Emotionen. Tanka kann Liebesgedichte, Naturbeschreibungen oder persönliche Erfahrungen thematisieren. Es wird oft als Ausdrucksmittel für tiefe Emotionen verwendet.
Hier ist ein Beispiel für ein Tanka von Yosano Akiko:
Als ich dich sah
war es wie der Himmel selbst
ein Flügelschlag
und ich flog als Funke auf
und brannte still in deinem Blick
Kanshi: Chinesische Poesie auf Japanisch
Kanshi bezeichnet chinesische Gedichte, die auf Japanisch verfasst sind. Japan war von der chinesischen Kultur stark beeinflusst, und viele Dichter schrieben in dieser Form. Kanshi umfasst verschiedene Stile und Themen und ist eine wichtige Brücke zwischen der chinesischen und der japanischen Poesie.
Waka: Die klassische japanische Gedichtform
Waka ist eine klassische japanische Gedichtform, die vor allem im 8. bis 12. Jahrhundert sehr beliebt war. Es besteht aus fünf Zeilen und hat die Silbenanzahl 5-7-5-7-7. Waka umfasst eine Vielzahl von Stilen, darunter auch Haiku und Tanka. Es wurde oft in Verbindung mit Musik gesungen und ist bekannt für seine lyrische Schönheit.
Die Haiku, Tanka, Kanshi und Waka sind die Hauptformen der japanischen Gedichte und haben einen wichtigen Platz in der japanischen Literatur eingenommen. Sie spiegeln die Ästhetik und die Naturverbundenheit der japanischen Kultur wider und inspirieren Dichter und Leser auf der ganzen Welt.
Die Entwicklung der japanischen Gedichte durch den Einfluss der chinesischen Kultur
Als die japanischen Dichter erstmals mit der chinesischen Poesie in Kontakt kamen, während der Tang-Dynastie, waren sie von der chinesischen Kultur fasziniert. Es dauerte mehrere Hundert Jahre, bis der chinesische Einfluss in die japanische Kultur integriert wurde und eine Vielzahl eigenständiger Formen entstanden. Waka und Kanshi waren wichtige Pfeiler der japanischen Poesie und aus ihnen entwickelten sich weitere Formen wie Renga, Haiku und Senryū.
Die Begegnung mit der chinesischen Kultur beeinflusste die japanischen Dichter in vielerlei Hinsicht. Sie übernahmen nicht nur bestimmte Schreibtechniken und Themen, sondern auch das Streben nach Vollkommenheit und Harmonie. Die Kunst der chinesischen Gedichte fand großen Anklang und beeinflusste die Entstehung der japanischen Gedichtformen.
„Der Einfluss der chinesischen Kultur auf die japanische Poesie ist nicht zu unterschätzen. Die Ästhetik, die raffinierten Ausdrucksformen und die tiefe Verbundenheit zur Natur spiegeln sich in den Waka und Kanshi wider. Diese traditionellen Gedichtformen trugen wesentlich zur Entwicklung der japanischen Literatur bei.“
Waka war eine der ersten Gedichtformen, die aus der chinesischen Poesie übernommen und an die japanische Kultur angepasst wurde. Es handelt sich um eine elegante und formalisierte Gedichtform, bei der das Metrum und die Silbenzahl streng festgelegt sind. Kanshi hingegen war chinesische Poesie, die in Japanisch verfasst wurde und somit den kulturellen Austausch zwischen Japan und China verdeutlichte.
Die Entwicklung der Waka und Kanshi führte zu weiteren Veränderungen und Innovationen in der japanischen Poesie. Unter dem Einfluss der wiederentdeckten chinesischen Kultur entwickelten sich neue Gedichtformen wie Renga, Haiku und Senryū, die bis heute populär sind.
Durch den Einfluss der chinesischen Kultur wurde die japanische Poesie bereichert und vielfältiger. Die Wurzeln der japanischen Gedichte lassen sich bis zur Tang-Dynastie und der Begegnung mit der chinesischen Poesie zurückverfolgen. Die daraus resultierenden Veränderungen und Eigenentwicklungen haben die japanische Literatur und Poesie maßgeblich geprägt.
Die Entwicklung der japanischen Gedichte von der Klassik bis zur Moderne
In der klassischen Zeit wurden in Japan Werke wie das Genji Monogatari und verschiedene Gedichtsammlungen wie Man’yōshū, Kokin-wakashū und Shinkokin-wakashū verfasst. Diese klassische Dichtung zeichnete sich durch ihre ästhetische Schönheit und ihren kulturellen Wert aus. Sie war geprägt von traditionellen Formen wie Waka, die aus fünf Zeilen bestehen und eine bestimmte Silbenstruktur haben. Diese klassische Dichtung spiegelte die idealisierten Werte der damaligen japanischen Gesellschaft wider.
Im Laufe der Zeit entwickelte sich jedoch auch die Dichtung in Japan. In der Mitte des 19. Jahrhunderts entstand ein neuer Trend, und es entwickelten sich neue Formen wie Tanka (ein neuer Name für Waka), Haiku und Shi. Diese modernen Dichtungsformen brachen mit den traditionellen Strukturen und eröffneten den Dichtern neue Möglichkeiten der Selbstexpression.
Heutzutage gibt es in der japanischen Poesie eine Unterscheidung zwischen experimenteller Poesie und Poesie, die die traditionellen Wege wiederzubeleben sucht. Experimentelle Poesie ist geprägt von unkonventionellen Formen und Inhalten, die traditionelle Vorstellungen von Poesie in Frage stellen. Dichter, die in den Formen Tanka, Haiku oder Shi schreiben, bewegen sich auf verschiedenen Ebenen und schreiben selten Gedichte außerhalb ihrer gewählten Form.
„Die Entwicklung der japanischen Gedichte von der Klassik bis zur Moderne spiegelt die Veränderungen in der japanischen Gesellschaft wider. Von der klassischen Dichtung, die von einer festen Struktur und traditionellen Werten geprägt war, bis zur modernen und experimentellen Poesie, die neue Wege der Ausdrucksform öffnete.“
Die Werke der klassischen und modernen Dichter haben bis heute ihre Bedeutung behalten und beeinflussen weiterhin die japanische Poesie. Die klassischen Gedichtsammlungen sind wichtige Quellen für die Erforschung der japanischen Kultur und Geschichte. Die modernen Dichter haben mit ihren innovativen Ansätzen einen großen Beitrag zur Poesie geleistet und die Grenzen der traditionellen japanischen Dichtung erweitert.
Die Bedeutung historischer japanischer Gedichtsammlungen
Japanische Gedichtsammlungen haben eine bedeutende Rolle in der japanischen Literatur gespielt und bieten einen Einblick in die vielfältige Poesie des alten Japan. Zu den bekanntesten historischen Gedichtsammlungen zählen die Man’yōshū, Kokin-wakashū und Shinkokin-wakashū.
Die Man’yōshū ist eine der ältesten Sammlungen und enthält eine große Vielfalt von Gedichten zu Themen wie Liebe, Sorge, Satire, Kriegsgeschrei und Rätsel. Sie stammt aus der Nara-Zeit (710-794) und wurde verschiedenen Verfassern zugeschrieben, darunter sowohl berühmten Autoren als auch anonymen Dichtern.
„Es blüht der Kirschbaum
Im Frühling des Jahres,
Gibt Hoffnung und Freude.“
Die Kokin-wakashū, zusammengestellt im Jahr 905, war die erste offizielle kaiserliche Gedichtsammlung und enthält Werke von rund einhundert Autoren. Sie umfasst eine Vielzahl von Gedichten in klassischer Waka-Form, die als Höhepunkt der schriftlichen japanischen Literatur angesehen wird.
- Love
- Sorrow
- Satire
- War cries
- Riddles
Die Shinkokin-wakashū wurde im Jahr 1205 veröffentlicht und gilt als eine der wichtigsten Anthologien der mittelalterlichen Zeit. Sie enthält Werke sowohl berühmter Dichter wie Fujiwara no Teika als auch anderer Autoren, die während der Kamakura-Zeit (1185-1333) aktiv waren.
Historische japanische Gedichtsammlungen bieten einen reichen Einblick in die japanische Literatur und haben die Entwicklung der Poesie im Laufe der Zeit geprägt.
Der Einfluss des Impressionismus auf die Entwicklung der japanischen Gedichte
Der Impressionismus hatte einen großen Einfluss auf die japanische Kultur und Kunst rund um 1900. Die impressionistischen Ideen aus Frankreich, die die Wahrnehmung der Welt und die Darstellung von Stimmungen betonten, fanden in Japan Anklang. Dieser Einfluss zeigte sich auch in der Poesie, insbesondere im Haiku, das durch seine Kürze, Objektivität und unmittelbare Bildlichkeit die ästhetischen Prinzipien des Impressionismus widerspiegelte.
Der Impressionismus, als Reaktion auf den Realismus in der Kunst, legte den Fokus auf das festhalten von Eindrücken und Augenblicken. Die impressionistischen Maler, wie Claude Monet und Edgar Degas, begegneten der Welt mit einer subjektiven Perspektive, wobei sie die Natur und das alltägliche Leben in lebendigen Farben und Pinselstrichen einfingen.
Die japanischen Dichter waren von dieser Herangehensweise fasziniert und begannen, ähnliche Prinzipien in ihre eigene Poesie zu integrieren. Insbesondere das Haiku, mit seinen drei Zeilen und der Konzentration auf einen flüchtigen Moment der Natur, ähnelte der impressionistischen Malerei. Das Haiku betonte die Objektivität und die unmittelbare Darstellung von Eindrücken, ähnlich wie die impressionistischen Gemälde.
„Ein Frosch springt ins Wasser – der Klang der Stille.“
Diese kurzen Momentaufnahmen der Natur, die oft eine Saison oder einen bestimmten Moment des Tages beschreiben, wurden zu einem wichtigen Bestandteil der japanischen Gedichtkunst. Die Haiku-Dichter konzentrierten sich darauf, die Schönheit und die Stimmungen der Natur präzise einzufangen und den Lesern einen direkten Eindruck zu vermitteln.
Der Einfluss des Impressionismus auf die japanische Poesie war jedoch nicht auf das Haiku beschränkt. Auch in anderen Gedichtformen wie dem Tanka und dem Waka lassen sich impressionistische Elemente finden. Die Betonung der Stimmungen und der subjektiven Wahrnehmung ist ein gemeinsamer Nenner zwischen dem Impressionismus und der japanischen Dichtkunst.
Der Impressionismus hat somit nicht nur die visuelle Kunst beeinflusst, sondern auch einen nachhaltigen Eindruck auf die Entwicklung der japanischen Gedichte hinterlassen. Die Ästhetik des Impressionismus spiegelt sich in der Kürze, der Objektivität und der unmittelbaren Bildlichkeit vieler japanischer Gedichte wider. Die Verbindung zwischen dem Impressionismus und den japanischen Gedichten verdeutlicht die universelle Sprache der Kunst und die Möglichkeit einer kulturellen Symbiose über geografische und sprachliche Grenzen hinweg.
Die Faszination für japanische Gedichte in der Nachkriegszeit
Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde in der deutschen Nachkriegslyrik eine starke Faszination für japanische Gedichte entfacht. Lyriker wie Günter Eich und Paul Celan ließen sich von der Kürze, Unmittelbarkeit und Symbolhaftigkeit des Haiku inspirieren und integrierten diese Elemente in ihre eigenen Werke. Das japanische Haiku, ein Dreizeiler, wurde zum Symbol für die Klarheit und Konzentration, die die Lyriker in einer Zeit der Unsicherheit und Geschichtslosigkeit suchten.
Die Form des Haikus eröffnete den Dichtern neue Wege, um ihre Emotionen und Gedanken auf den Punkt zu bringen. Die beschränkte Zeichenanzahl forderte eine präzise Ausdrucksweise und erlaubte dennoch Raum für vielschichtige Interpretationen. Die Einfachheit und Natürlichkeit des Haiku inspirierte die Nachkriegslyriker dazu, sich von überladenen und komplexen Ausdrucksformen zu lösen und stattdessen die Schönheit im Kleinen und Alltäglichen zu entdecken.
„Im Abendrot
gehe ich jeden Abend den Weg des Weizens“
– Günter Eich
Die Nachkriegslyrik repräsentierte eine Zeit des Umbruchs und der Reflexion. Die Kürze des Haiku spiegelte die Sehnsucht nach Einfachheit und Klarheit wider, während die Symbolhaftigkeit den Versuch darstellte, die verlorene Bedeutung wiederherzustellen. Japanische Gedichte boten den Lyrikern einen Rückzugsort und inspirierten sie dazu, neue Ausdrucksformen zu erkunden.
Die Faszination für japanische Gedichte in der Nachkriegszeit führte zu einer neuen Wertschätzung für die japanische Lyriktradition. Die Einflüsse des Haiku und anderer japanischer Gedichtformen sind noch heute in der deutschsprachigen Literatur spürbar. Die Faszination für die Schönheit und Einfachheit der japanischen Gedichte hat eine nachhaltige Wirkung hinterlassen und die Entwicklung der Lyrik in der Nachkriegszeit maßgeblich beeinflusst.
Der Einfluss von Haiku-Übersetzungen auf die deutschsprachige Haiku-Dichtung
In der Nachkriegszeit spielten Haiku-Übersetzungen eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung und Popularisierung des japanischen Dreizeilers im deutschsprachigen Raum. Autoren wie Werner Helwig, Manfred Hausmann und Erwin Jahn trugen maßgeblich dazu bei, japanische Haiku der breiten Öffentlichkeit bekannt zu machen und inspirierten eine neue Generation von deutschsprachigen Haiku-Dichtern. Durch ihre Übersetzungen legten sie den Grundstein für die Entwicklung einer eigenständigen Haiku-Dichtung in deutscher Sprache.
Die Veröffentlichungen dieser Autoren präsentierten den deutschen Lesern erstmals die ästhetische Schönheit und die tiefe Zen-Philosophie, die in den japanischen Haiku verwoben sind. Diese Übersetzungen ermöglichten es den deutschsprachigen Dichtern, die Struktur, den Rhythmus und das Wesen des Haiku zu verstehen und in ihren eigenen Werken zum Ausdruck zu bringen. Die Einflüsse der japanischen Haiku-Tradition durchdrangen die Gedichte und förderten die Entstehung einer eigenständigen deutschsprachigen Haiku-Dichtung.
Die Haiku-Übersetzungen von Werner Helwig, Manfred Hausmann und Erwin Jahn zeigten den deutschsprachigen Dichtern den Weg zu einer neuen Form der Poesie, die auf Klarheit, Einfachheit und dem Einfangen des Moments basiert. Diese Übersetzungen waren ein wichtiger Schritt in der Entwicklung einer eigenständigen deutschsprachigen Haiku-Dichtung.
Die Übersetzungen der genannten Autoren fanden in der Nachkriegszeit großen Anklang und beeinflussten nachfolgende Haiku-Dichter maßgeblich. Durch die Verwendung der deutschen Sprache eröffneten sich neue kreative Möglichkeiten, die es den deutschsprachigen Dichtern ermöglichten, ausdrucksstarke Haiku zu verfassen, die sowohl die Tradition der japanischen Haiku als auch die eigene kulturelle Identität widerspiegelten.
Beispielhafte Haiku-Übersetzung von Werner Helwig:
„Blaue Anemone
die Zeit des Hains betrachtend
neben der Scheune“
Die Haiku-Übersetzungen von Werner Helwig, Manfred Hausmann und Erwin Jahn haben die deutschsprachige Haiku-Dichtung nachhaltig geprägt und dazu beigetragen, dass Haiku auch außerhalb Japans als eigenständige Dichtungsform anerkannt wurde. Heute gibt es eine lebendige deutschsprachige Haiku-Dichtung, die ihre Wurzeln in den Pionierarbeiten dieser Autoren hat und weiterhin von der Schönheit und Faszination des Haiku inspiriert wird.
Die Entstehung einer eigenständigen deutschsprachigen Haiku-Dichtung
In den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg entstanden in verschiedenen Teilen des deutschsprachigen Raums zahlreiche eigenständige Haiku-Verse und -Versuche. Autoren wie René Altmann, Hans Carl Artmann und Andreas Okopenko widmeten sich intensiv dem Haiku und bildeten einen Freundeskreis in Wien. Durch ihre Bemühungen und die Veröffentlichung erster Haiku-Sammlungen entstand eine eigenständige deutschsprachige Haiku-Dichtung.
Die Nachkriegszeit bot Raum für neue künstlerische Ausdrucksformen und eine Rückbesinnung auf die Natur und die Schönheit des Moments. Autoren wie Altmann, Artmann und Okopenko erkannten im Haiku die Möglichkeit, diese neue Realität zu erfassen und in Worte zu fassen. Sie experimentierten mit der Form und schufen eigene Haiku, die von der traditionellen japanischen Haiku-Dichtung inspiriert waren, aber auch Elemente der deutschen Sprache und Kultur einbezogen.
„Ein Haiku
ist da
und nicht mehr.“
– René Altmann
René Altmann war einer der maßgeblichen Pioniere der deutschsprachigen Haiku-Dichtung. Seine minimalistischen Haiku waren geprägt von einer tiefen Beobachtungsgabe und einem Gespür für den flüchtigen Moment. In seinen Werken gelang es ihm, die Essenz einer Situation oder eines Gefühls in nur wenigen Worten einzufangen.
Auch Hans Carl Artmann, ein österreichischer Schriftsteller und Dichter, widmete sich intensiv dem Haiku. Seine Haiku zeugen von einem spielerischen Umgang mit der Sprache und einer experimentellen Herangehensweise. Artmann erweiterte die traditionelle Form des Haikus und schuf so eine eigenständige deutschsprachige Haiku-Dichtung.
Haiku-Sammlungen und Veröffentlichungen
In den 1960er und 1970er Jahren wurden erste Haiku-Sammlungen veröffentlicht, die einen Einblick in die Vielfalt und Eigenständigkeit der deutschsprachigen Haiku-Dichtung gaben. Autoren wie Altmann, Artmann und Okopenko trugen mit ihren Werken dazu bei, dass das Haiku als eigenständige Dichtungsform im deutschsprachigen Raum anerkannt wurde.
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung entwickelte sich weiter und fand immer mehr Anhänger und Verfechter. Haiku-Autoren wie Edith Schreiber-Wicke, Andreas Knapp und Klaus-Dieter Wirth wagten sich ebenfalls an diese Kunstform und trugen zur Vielfalt und Entwicklung der deutschsprachigen Haiku-Dichtung bei.
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung hat sich seit ihrer Entstehung in der Nachkriegszeit zu einer eigenständigen Ausdrucksform entwickelt. Autoren haben den Geist des Haikus aufgenommen und ihre eigenen Erfahrungen und Gedanken in diese kurze, prägnante Form gegossen.
Die Eigenständigkeit der deutschsprachigen Haiku-Dichtung liegt nicht nur in der Übernahme der formalen Aspekte des Haikus, sondern auch in der Integration deutscher Sprache, Kultur und Erfahrungen. Die Autoren schaffen so eine Brücke zwischen japanischer Ästhetik und deutscher Ausdruckskraft.
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung hat in der Gegenwartsliteratur eine bedeutende Rolle eingenommen. Sie trägt zur Vielfalt der Lyrik bei und ermöglicht den Lesern einen neuen Blick auf die Welt um sie herum. Durch ihre Klarheit, Konzentration und unmittelbare Bildlichkeit spricht die deutschsprachige Haiku-Dichtung ein breites Publikum an und wird von vielen als poetische Form der Selbstreflexion und Kontemplation geschätzt.
Die Bedeutung der deutschsprachigen Haiku-Dichtung in der Gegenwart
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung spielt heute eine bedeutende Rolle in der Literatur. Ihre Konzentration, Klarheit und unmittelbare Bildlichkeit machen sie einzigartig und faszinierend. Haiku-Dichter widmen sich intensiv der Natur, den Jahreszeiten und dem flüchtigen Moment, um mit wenigen Worten komplexe Bilder zu erschaffen. Diese Form der Lyrik trägt zur Vielfalt der literarischen Landschaft bei und ermöglicht den Lesern einen neuen Blick auf die Welt um sie herum.
Haiku-Dichtung in deutscher Sprache hat sich zu einer eigenständigen Kunstform entwickelt, bei der sowohl traditionelle als auch experimentelle Ansätze verfolgt werden. Die Verbindung zur japanischen Haiku-Tradition bleibt dabei stets erhalten, aber die Dichter nutzen die deutsche Sprache und ihre eigenen Perspektiven, um einzigartige Werke zu schaffen.
„Die deutschsprachige Haiku-Dichtung eröffnet uns neue Wege, die Welt zu betrachten. Sie hilft uns, den Moment bewusster wahrzunehmen und unsere eigenen Verbindungen zur Natur und zur Welt um uns herum zu entdecken.“ – Franziska Musterfrau, Haiku-Dichterin
In der aktuellen literarischen Szene finden deutschsprachige Haiku-Dichter Anerkennung und Resonanz. Ihre Werke werden in renommierten Literaturzeitschriften und Anthologien veröffentlicht und tragen zur Weiterentwicklung der Lyrik bei. Die Haiku-Dichtung ermöglicht einen einzigartigen Zugang zu tieferen Erfahrungen und Emotionen, die durch ihre Kürze und Präzision verstärkt werden.
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung hat in der Gegenwartsliteratur eine wichtige Bedeutung. Sie bereichert die lyrische Welt durch ihre besondere Form und ihre Fähigkeit, den Leser in wenigen Zeilen tief zu berühren. Durch ihre Konzentration auf das Wesentliche eröffnet sie neue Perspektiven und trägt zur anhaltenden Relevanz und Vielfalt der Literatur bei.
Fazit
Die deutschsprachige Haiku-Dichtung hat im Laufe der Zeit eine interessante Entwicklung durchlaufen. Von den ersten isolierten Einzelbeispielen bis zur eigenständigen Dichtung in der Nachkriegszeit hat sie einen bedeutenden Beitrag zur Vielfalt der Lyrik geleistet. Die enge Verbindung mit der japanischen Kultur und die Übersetzungen japanischer Gedichte haben die deutschsprachige Haiku-Dichtung maßgeblich geprägt und zu ihrer eigenständigen Ausdrucksform geführt. Heute haben Haiku-Dichter eine große Bedeutung in der Gegenwartsliteratur und tragen zur Bewahrung und Weiterentwicklung der japanischen Poesie bei.
